Posts Tagged ‘Publicidad’

De la publicidad como edulcorante al arte como colorante

Martes, mayo 15th, 2018

Las históricas ventas del Salvator Mundi de Leonardo da Vinci y de la Colección de Peggy y David Rockefeller como excusa para hablar de arte, publicidad y política.


Cualquier obra que salga a subasta pública de Leonardo da Vinci, Claude Monet o Pablo R. Picasso tiene asegurado un buen precio de remate.

Christie's Auction House

Otra cosa es pasar de un buen precio a batir su propio récord de venta. Y para conseguirlo, está claro que no es suficiente con la fama del artista. Para engolosinar a los nuevos compradores de obras maestras, para que paguen más, hay que envolverlas y presentarlas con una buena campaña de publicidad, el mejor edulcorante del mercado. Christie’s lo sabe.

The last da Vinci

Una obra disponible de un artista tan poco prolífico como Leonardo y un apellido tan respetado y glamuroso como Rockefeller. Esos son los principales argumentos comunicativos. De ellos se deriva el eslogan de ambas campañas publicitarias: “The Last da Vinci” y “Live like a Rockefeller”.

The Last da Vinci”. Leonardo da Vinci como reclamo

El principal objetivo de “The Last da Vinci” seguía la siguiente ecuación: aumentar la expectación para que aumentase el precio.

Nada mejor para conseguir el objetivo que sirviéndose del argumento de la escasez y que sea la idea que circule por medio mundo: se puso el Salvator Mundi en una caja y se mandó de gira mundial, con parada en Hong Kong, San Francisco, London y New York.

¿El Salvator Mundi de Leonardo habría alcanzado el récord histórico de venta de una obra de arte (450 millones de dólares) sin la campaña de publicidad concebida por la agencia Droga5? Parece que hasta disidentes de la publicidad y del marketing como Susan Moore (art market correspondent y associate editor de Apollo) tienen claro que no, lo que vendría a demostrar el triunfo de lo que cataloga como “the dark art of marketing”.

La agencia de publicidad planteó la visión de la pintura, su punto de vista de la multitud de personas que pasaron para verla en New York. Junto al fotógrafo de retratos Nadav Kander, colocaron una cámara oculta bajo la obra que captó la mirada de los visitantes.

Se editó un cautivador vídeo y se congelaron unas cuantas miradas en una colección de fotografías, publicadas en el perfil de Instagram “The Last da Vinci”.

La película fue montada para tener un metraje de 4:14, que hace referencia al Evangelio de Juan y la descripción del papel de Cristo reproducido por la pintura de Leonardo: “mas el que bebiere del agua que yo le daré, no tendrá sed jamás; sino que el agua que yo le daré será en él una fuente de agua que salte para vida eterna”.

Los retratos de los visitantes, publicados en Instagram, están identificados con el nombre del visitante y la hora de su visita, un formato que recuerda a una cita bíblica. Por ejemplo, la mirada de Patti Smith es “Patti 11:15”.

The Last da Vinci, Instagram, Patti Smith

La casa de subastas no dejó de hacer aquello que se ha hecho siempre, la subasta pública (el 20 de noviembre de 2017), todo un espectáculo en sí misma: basta ver los teléfonos de buena parte de los asistentes grabando la puja final.

Live like a Rockefeller”. El apellido Rockefeller como anzuelo

En la gran subasta de la colección de Peggy y David Rockefeller (New York, 08-10 de mayo), Christie’s ha combinado los viejos y los nuevos canales. Lo explica alguien tan bien conectado y tan buen conocedor del mundo del arte y del mercado del arte como Llucià Homs:

Hay dos elementos más que son paradigmáticos del momento y de cómo la casa de subastas lo ha enfocado. Con una campaña de marketing excepcional, 75.000 personas pudieron ver algunos de los lotes en exposiciones en grandes capitales, e hicieron presentaciones en ciudades como Barcelona para explicar que se pueden adquirir objetos de esta familia por un valor inicial de 100 euros. Por otro lado, una inteligente superposición de canales de venta que incorporan las ventas en línea para toda una retahíla de lotes de antigüedades, mobiliario o joyería, contando con influencers que los ayudan a divulgar los días de subastas, sin renunciar al formato estrella de las evening sales, las subastas presenciales que con toda la pompa escenifican la importancia de los grandes lotes y despiertan la expectación del gran público.

La gran exposición con todas las piezas a la venta no sólo se pudo ver en el Rockefeller Center de New York (y antes una selección de las piezas en Hong Kong, London, Beijing, Los Angeles y Shanghai), se pudo y se puede ver gracias a la versión virtual de la muestra, que te permite pisar la sala neoyorquina a distancia.

Tour virtual The Collection Rockefeller

¿Cómo me puedo hacer a la idea que si compro una pieza de la colección Rockefeller seré miembro de esa selecta familia? Christie’s también sabe lo que buscas: una app de Realidad Aumentada, “From Our Walls to Yours”, te permite “ver” cómo lucen las obras en tu casa. Si te gusta, y también sin quitarte el pijama, puedes pujar por ella online.

App AR Christie's

Si queréis buscar y probar la app, sólo tenéis que visitar la Apple Store, categoría shopping, claro. La probé con el cartel de Jane Avril de Toulouse-Lautrec y quedaba fantástico en mi estudio; lástima que el precio de salida fuesen sólo 20.000 dólares… (se acabaría adjudicando por 56.250 dólares…).

El resultado de venta de la colección también fue para quitar el hipo: 832,6 millones de dólares. Otro récord absoluto. Con otras pequeñas hazañas como el récord de venta de Monet, Matisse, Delacroix, Corot, Seguin, Morandi o Corot.

Monet Christie's

¿El Salvator Mundi fue algo más que un anzuelo?

¿Otra vez hablando de la obra de Leonardo? Sí, sospecho que hay una última sorpresa.

Decía más arriba que el objetivo de la campaña puesta en marcha por Christie’s era crear expectación para aumentar el precio de la obra.

Una de las teorías, recogidas por Llucià Homs en “Nuevas de Leonardo”, es que dos facciones de la casa real saudí tenían la indicación de comprar la obra a cualquier precio, luchando entre ellas durante la subasta pensando que lo hacían contra sus rivales qatarís.

Una teoría que permite entender que se paguen más de 400 millones de dólares por una obra sobre la que hay tantas dudas y que se salía con un precio mínimo garantizado de 100 millones de dólares.

Poco después de la subasta, The Wall Street Journal descubrió que la obra había sido comprada por el príncipe heredero de Arabia Saudita, Mohammed bin Salman (conocido con el acrónimo de MBS) y depositada en el recién inaugurado Louvre Abu Dhabi, que alardeaba de ello el 06 de diciembre por sus perfiles en redes sociales (Twitter, Instagram y Facebook). Un acompañante de lujo para otro Leonardo, La Belle Ferronnière (una de las obras alquiladas/cedidas temporalmente por el Louvre).

Louvre Abu Dhabi

¿Qué mejor manera de situar en el mapa mundial el museo, y lo que realmente interesa, el Saadiyat Cultural District (iniciativa del Departamento de Cultura y Turismo) del Emirato de Abu Dhabi, que exponiendo la obra más cara de la historia?

Ese era realmente el objetivo de la salida al mercado de la obra y de la tan publicitada subasta de Christie’s: promocionar internacionalmente a Abu Dhabi. Qué importan las dudas sobre su autoría o que parezca pasada y repasada por Corporación Dermoestética…

Efectivamente, el Salvator Mundi fue en sí mismo la verdadera campaña de publicidad (como lo es el propio Louvre Abu Dhabi de Jean Nouvel). Mejor dicho, que sea la obra más cara del mundo es el verdadero argumento.

¿Y qué hace el príncipe heredero de Arabia Saudita comprando una obra perseguida en su país por el wahabismo y cediéndola a otro? Parece que las relaciones diplomáticas entre el comprador y el príncipe heredero de Abu Dhabi, Mohammed bin Zayed (MBZ), son la clave para entender el tema: Arabia Saudita uniendo lazos con Abu Dhabi y los Emiratos Árabes Unidos para aislar aún más a la pujante Qatar.

Los museos y el arte como una peón más en el tablero geopolítico del Golfo Pérsico.

Conclusión

La publicidad como edulcorante del arte.

El arte como colorante de la política.

[Las fotos que ilustran el artículo proceden de: Ilya S. Savenok, Droga5, Christie’s y Louvre Abu Dhabi]

Bonus track

Susan Moore (2017). “The sale of ‘the last Leonardo’ is a triumph for the dark art of marketing”, Apollo. The International Art Magazine, 16 de noviembre.

Guy Martin (2017). “The Louvre Abu Dhabi Announces That It Will Exhibit da Vinci’s $450-million “Salvator Mundi”, Forbes, 06 de diciembre.

Llucià Homs (2018). “Nuevas de Leonardo”, La Vanguardia, 22 de abril.

Francesc Peirón (2018). “Los que anhelan ser un Rockefeller”, La Vanguardia, 10 de mayo.

Llucià Homs (2018). “Sensibilidad y filantropía”, La Vanguardia, 10 de mayo.

Museo Íbero de Jaén. El peligroso gap entre lo que dice ser y lo que realmente es

Lunes, enero 15th, 2018
Artículo actualizado el 26/07/2018

Todo lo que comentaré se basa en mi visita al Museo Íbero de Jaén el pasado 5 de enero. Antes de esa visita y del proceso de documentación para redactar este post, no conocía la tortuosa historia que precede al nuevo museo, ni conozco a nadie que haya participado en su puesta en marcha.


Lo único que conocía del Museo Íbero de Jaén es lo que sus gestores dicen sobre él. Y eso es lo que me convenció para visitarlo. La imagen que me había hecho sobre el museo dependía única y exclusivamente de lo que el museo dice ser (la imagen transmitida).

Museo Íbero Jaén

En la campaña promocional que se ha puesto en marcha para posicionar al nuevo equipamiento museístico (bajo el acertado slogan “El origen de un mundo” y con acciones en exterior, prensa, radio, televisión y online), se habla de él en presente (ya veréis como el tiempo verbal es fundamental).

El dossier de prensa distribuido por la Junta de Andalucía a los medios de comunicación, habla en estos términos:

El 11 de diciembre de 2017 abre sus puertas el Museo Íbero de Jaén, el único museo dedicado en exclusiva a la cultura íbera, para potenciar su conocimiento, protección y difusión.

Aquí tenéis una muestra de la publicidad de exterior, en la que se habla del nacimiento de un nuevo museo, el primero dedicado temáticamente al mundo íbero:

Museo Íbero Jaén

Aquí podéis ver el vídeo promocional:

Una vez visitado, puedo decir que el museo es una cosa bien distinta a lo que se explica para promocionarlo. A día de hoy (enero de 2018), es un gran continente con un escaso contenido: de los más de 9.000 m² útiles disponibles, la exposición temporal “La Dama, el Príncipe, el Héroe y la Diosa” tan sólo ocupa 500 m². Aunque muy interesante (le dedico un apartado más adelante), se antoja escasa para empezar un proyecto que pretende ser un referente internacional sobre la cultura de los íberos. Y no lo digo sólo yo, pues incluso la prensa se ha hecho eco del tema, sintetizándolo en un frase demoledora: mucho espacio, poca muestra (Laura Velasco, «La provincia arropa al Museo Íbero», Ideal).

De hecho, en el acto de inauguración, la presidenta de la Asociación de Amigos de los Íberos, Pilar Palazón, solicitó públicamente que el proyecto museográfico para la colección permanente no se demorase (José M. Liébana, «Jaén ya tiene Museo Íbero», Ideal), invitando al Rey a inaugurar esa exposición permanente el 29 de febrero de 2019. Ella lo tiene muy claro:

Los jiennenses no queremos que la exposición temporal que se puede ver ahora, se transforme en permanente. Se merece tener toda la museografía.

Ignacio Frías, «Museo Íbero, un largo camino hecho realidad», Diario Jaén.

En definitiva, si se cumplen las previsiones de los profesionales implicados (como su directora, Concha Choclán Sabina), lo que ahora es un museo a medio gas se convertirá en un verdadero referente. La exposición temporal así lo indica. Pero eso sólo lo sabremos cuando pase, pues por el momento no lo es.

El museo quiere ser ya una realidad (supongo que la tortuosa historia hasta llegar a su inauguración tiene mucho que ver en ello). En términos de comunicación corporativa, esa es la imagen intencional o deseada (la imagen que el museo quiere tener entre sus diferentes públicos) que gracias a la campaña promocional se está transmitiendo (la imagen transmitida).

Ahora bien, la verdad es muy distinta: el museo todavía no es una realidad. La imagen real que tenemos aquellos que lo hemos visitado es la de un museo en construcción.

Si el gap o desajuste entre la imagen transmitida y la realidad es una mala opción en cualquier ámbito, en el de los museos es más que peligroso: si la gente se siente engañada es posible que no vuelva a pisar un museo en su vida. Y supongo que nadie quiere que eso pase.

“La Dama, el Príncipe, el Héroe y la Diosa”, una excelente exposición temporal

No sería justo cerrar este artículo sin hablar de la exposición temporal. Sin duda merece un punto y aparte.

Diseñada por el estudio de Boris Micka (BMA, con obra por aquí en el ARQUA de Cartagena, el Museo de Almería o el MUVIM de Valencia) y comisariada por Arturo Ruíz Rodríguez (catedrático de Prehistoria de la Universidad de Jaén) y Manuel Molinos Molinos (catedrático de Arqueología y director del Instituto Universitario de Investigación en Arqueología Ibérica de la UJA), es un buen ejemplo de muchas de las cosas que deberían hacerse en este tipo de muestras: con un marcado carácter divulgativo, explica una historia muy bien hilvanada que se presenta de forma visualmente atractiva.

El punto de partida de la historia son cuatro cráteras griegas recuperadas en 2010 en la cámara funeraria del príncipe íbero Iltirtiiltir de Urgavo (Necrópolis de Piquía, Arjona, Jaén). De las representaciones mitológicas representadas en esas cuatro piezas (las pinturas de esos vasos áticos muestran escenas mitológicas de Heracles y de Helena) se deriva cada uno de los personajes característicos de la cultura íbera: el Príncipe, la Dama, el Héroe y la Diosa.

Actuando de fondo de cada uno de los cinco grandes ámbitos en los que se organiza la muestra, ilustraciones de Javier Hermida permiten vincular las piezas expuestas con la historia narrada. Aunque no me acaba de entusiasmar este tipo de solución museográfica, he de reconocer que cumple perfectamente con el objetivo divulgativo que se le reserva. Por tanto, son un acierto.

Museo Íbero Jaén

Todas las piezas expuestas, 352, algunas tan importantes como el Guerrero de la doble armadura de Cerrillo Blanco, la Dama de Cerro Alcalá, el Héroe y el Lobo de El Pajarillo o la Diosa de los Caprinos de Cerrillo Blanco, son protagonistas de la historia narrada en la exposición, pero todas ellas se deben al guion.

Museo Íbero Jaén

Otro de los aciertos es la forma de configurar la parte trasera de los módulos expositivos, que reproducen los paisajes en los que se encuentran los grandes yacimientos íberos de Jaén. Algo que convierte la circulación del visitante en una experiencia visualmente agradable.

Museo Íbero Jaén

También es de alabar la forma de exponer las piezas estrella, que gracias a la apertura trasera se pueden ver y disfrutar desde dos puntos de vista.

Museo Íbero Jaén

Como punto final de la exposición, la “Vitrina del epílogo” hace un alegato contra el expolio, contraponiendo el resultado de uno de ellos con el de una excavación arqueológica científica. Ocupando todo el módulo expositivo, se exponen piezas arqueológicas expoliadas, procedentes del Fondo Arqueológico Ricardo Marsal Monzón, que se contraponen a otro conjunto procedente de la excavación científica de una tumba de la Necrópolis de los Castellones de Ceal (Hinojares, Jaén). Todo un acierto para cerrar la exposición.

Museo Íbero Jaén

Sobre todo cuando nos asaltan noticias como la reciente recuperación, por parte de los Mossos d’Esquadra, de 393 conjuntos arqueológicos de yacimientos expoliados que contienen unas 20.000 piezas de alto interés científico (nota de prensa aquí).

El hecho que demuestra todo lo dicho aquí

Que el Museo Íbero de Jaén era un deseo todavía no materializado, se ha reafirmado el pasado 23 de julio. Ese día, Miguel Ángel Vázquez, consejero de Cultura de la Junta de Andalucía, presentaba el plan museológico y discurso expositivo del museo. En el siguiente tuit publicado desde el perfil institucional de la Consejería de Cultura queda bien claro de lo que no disponía cuando abrió sus puertas en diciembre de 2017:

Presentación Plan museológico

‘Mappings’ publicitarios en monumentos, las nuevas lonas invasivas

Viernes, febrero 24th, 2017

Una noche de junio de 2013, la gente que llegaba al mirador de San Nicolás tuvo una visión: un pájaro azul proyectado sobre la Torre de la Vela.

Miradas_desde_la_copa

[Foto: #TATGranada]

#TATGranada, Talking About Twitter, estaba detrás de la proyección comercial. Los gestores no sólo lo aceptaron, sino que incluso se hicieron fotos desde el mirador.

Curiosamente, en la misma red social, la contraetiqueta #StopTATAlhambra denunciaba ese uso comercial. Aquí uno de los tuits:

Miradas_desde_la_copa

Lo que sólo era una simple proyección de la marca visual de una empresa, ha evolucionado. ¿Por qué conformarse con eso si se puede ir más allá con un ‘mapping’? Y claro, ya tenemos el ejemplo para ilustrarlo: el ‘mapping’ publicitario que se proyectó hace escasos días sobre la Seu Vella de Lleida.

Un conjunto monumental que quiere optar a Patrimonio Mundial, permitió el pasado 17 de febrero que una marca, BMW, presentase uno de sus productos. El momento álgido del evento comercial era el espectáculo audiovisual que se proyectó sobre la torre y la portada de los Apóstoles.

En un ejercicio de transparencia, los gestores informaron de la afectación que las pruebas del ‘mapping’ tuvo en la iluminación nocturna del monumento y de la celebración del evento promocional. Está bien. Lo que no acabo de entender es este tipo de mensajes, publicados desde su perfil corporativo:

Miradas_desde_la_copa

Los gestores del Turó de la Seu Vella estaban tan satisfechos, que se pavoneaban del evento. ¿Sacar pecho de la cesión de un monumento tan emblemático para dejar que se transforme en una pantalla gigante sobre la que proyectar un anuncio comercial?

¿Qué será lo próximo? ¿Los leones de la Alhambra escupiendo Coca-Cola de sus surtidores? No olvidéis lo que reconocía sin empacho Rance Crain, editor jefe de Advertising Age, en USA Today: “Advertisers will not be satisfied until they put their mark on every blade of grass”. Hasta en la última brizna de hierba…

La exposición del Bosco, un tríptico de la museología actual

Lunes, junio 20th, 2016

Magna, irrepetible, cita excepcional [la exposición]

Fascinante, onírico, desbordante [el artista]

Fijadas algunas hipérboles sobre la muestra y los clásicos adjetivos que se le regalan a El Bosco, que nadie espere aquí una crítica artística. Me interesa para ilustrar determinados síntomas museológicos que tienen que ver con la gestión y la museografía, y por los intereses de éste blog, con la comunicación global (la mediación cultural y la comunicación). Un magnífico hilo que me permite hilvanar diversos temas que me (pre)ocupan últimamente.

Miradas_desde_la_copa

[Foto: Miradas desde la copa]

Tabla central. Sobre gestión o mucho más que una exposición temporal

Sin duda es uno de los puntos fuertes del proyecto conmemorativo: la exposición no deja de ser una pieza más de un gran puzle.

Además de un nutrido número de actividades (conferencias, música, cine, etc.), hay tres piezas más que componen el puzle: el cómic El tríptico de los encantados (una pantomima bosquiana) de Max, el documental El Bosco, el jardín de los sueños de José Luis López-Linares y la videoinstalación Jardín Infinito del artista Álvaro Perdices y el cineasta Andrés Sanz (a partir del 4 de julio).

Miradas_desde_la_copa

[Foto: Museo Nacional del Prado]

Sigue en ello la estela de museos como el Louvre, que hace tiempo apostó por este tipo de medios. Y lo hace por la puerta grande, dejando esos proyectos en manos de reputados profesionales como Max o José Luis López-Linares.

En éste aspecto, mi más sincera y efusiva felicitación al Museo Nacional del Prado. Como buque insignia de la museística española, abre ruta para que el resto de la flota se inspire. ¡Enhorabuena!

Tabla izquierda. Sobre museografía o casi todo sigue igual

Aunque Miguel Falomir, Director Adjunto de Conservación e Investigación del Museo Nacional del Prado, se esfuerce en explicar el montaje (en éste vídeo), es un planteamiento clásico. Con un poco de gracia en la arquitectura efímera, pero clásico al fin y al cabo. Ahora bien, si se compara con lo que vienen haciendo, sin ir más lejos en el montaje de la muestra George de La Tour (1593-1652), se percibe un pequeño avance. Muy pequeño, la verdad, aunque el museo lo catalogue de sorprendente y excepcional en la nota de prensa.

El museo ha superado con nota el reto de exponer los diferentes trípticos (aunque por el camino se hayan olvidado de alguno, como el Tríptico de Job procedente del Groeningemuseum de Brujas), isolados de tal modo que se pueden ver las puertas (algo que normalmente se nos escamotea).

Miradas_desde_la_copa

[Foto: Museo Nacional del Prado]

Más allá de éste detalle, la exposición es museográficamente clásica. Incluso en algunos aspectos, como la vitrina en la que se muestran el Retrato de Engelbrecht II, conde de Nassau, el Libro de horas de Engelbrecht II de Nassau y el manuscrito Les visions du chevalier Tondal, son directamente indignos de una exposición como ésta.

En el terreno de las expectativas personales, y viendo como se había resuelto el tema de los trípticos, esperaba encontrar alguna fórmula museográfica interesante en la Mesa de los Pecados Capitales. Pero siguiendo el tono general, la fórmula es clásica.

Sería aconsejable que alguna de las respuestas museográficas puestas en marcha temporalmente, como la colocación isolada de los trípticos, se aplicasen cuando obras como El Jardín de las Delicias vuelva a su lugar de exposición permanente. Una obra así no puede volver a aquel garito como si nada hubiese pasado, privando al visitante del exterior de las puertas.

En este aspecto, sería interesante que el museo comprobase seriamente algo que percibí durante mi visita: la mayoría de visitantes que se agolpaban para mirarlos, prácticamente ni se paraba para ver la decoración exterior de las puertas.

Tabla derecha. Sobre comunicación global

Sobre mediación cultural o el gap entre lo offline y lo online

No puedo empezar éste apartado sin una felicitación. La edición de un pequeño libreto con los textos explicativos de cada obra, que normalmente se colocan en las cartelas, es ser consciente del tipo de muestra que se tiene ‘entre las salas’ y tomar medidas para avanzarse a un problema de circulación y aglomeración.

Por lo demás, sirva como ejemplo la radiografía y reflectografía infrarroja del tríptico de El Jardín de las Delicias: pudiendo ser un plus de lo más interesante, se queda corto en su intento por aportar contenidos de valor para muchos visitantes, pues ni la colocación de los textos ni su desarrollo lo consiguen.

Miradas_desde_la_copa

[Foto: Museo Nacional del Prado]

Otro dispositivo de mediación puesto a disposición del visitante (previo pago de 3,50 €) es una audioguía. Más allá del valor de las audioguías (que no discuto), sorprende que un museo cómo el Prado, últimamente muy receptivo a la experimentación con nuevas tecnologías, siga anclado en el siglo XX.

No acabo de entender que online ofrezca cosas tan y tan interesantes como El Bosco. Una historia en imágenes, recurso interactivo con imágenes y textos (scrollytelling* se le llama a la criatura) y offline sean tan rematadamente clásicos.

El catálogo es un buen ejemplo para explicar y entender esa falta de innovación en “viejos” medios de mediación cultural. Con su diseño del siglo XX, está claro que no pasará a la historia de un “viejo” medio como el libro. Si la conmemoración del V centenario de la muerte del Bosco es para el Prado un gran proyecto, de esos que se recordarán, no puedo entender que el mimo que se ha dedicado a otras cosas no lo merezca también el catálogo, una de las pocas cosas tangibles que quedará para el futuro.

El gap entre los “viejos” y los “nuevos” especímenes de mediación cultural empieza a ser un verdadero problema para los museos. Aunque no hay mal que por bien no venga: cómo problema, es un reto más para sus gestores.  

Sobre comunicación o matando moscas a cañonazos

El despliegue publicitario de la muestra es apabullante. Sólo en las estaciones de Atocha (Madrid) y Sants Estació (Barcelona) es realmente abrumador.

Miradas_desde_la_copa

[Foto: Miradas desde la copa]

Tengo serias dudas que el tipo de publicidad informativa que caracteriza al Prado tenga eficacia; ahora bien, no tengo ninguna en otro aspecto fundamental: la eficiencia brilla por su ausencia. Hoy en día, en términos comunicativos (y también publicitarios) se puede conseguir mucho con poco.

Miradas_desde_la_copa

[Foto: Miradas desde la copa]

De hecho, creo que tamaño despliegue es incluso ofensivo. Especialmente cuando sabes que sólo por la compra de espacios en medios de comunicación social para 2016 se paga a una agencia de medios más de doscientos mil euros.

La publicidad del Prado es como el músculo de un culturista, pensada para impresionar.

Cierre del tríptico

Para concluir, y siguiendo para ello el clásico titular de prensa, no dudo que la exposición El Bosco. La exposición del V centenario del Museo Nacional del Prado será la muestra del año. Aunque sólo sea por ser la más completa entre las realizadas hasta hoy, al contar con más de un 75 % de la producción conservada del hombre-árbol de ‘s-Hertogenbosch.

* Mousewheel + Stories = Scrollytelling

Exterior de las puertas o Bonus track

El PaísEspecial interactivo.

Fernando Marías: El Bosco, artista de invenciones, El Cultural, 20/05/2016.

Publicidad de museos. Con o sin la chispa de la creatividad

Miércoles, julio 29th, 2015

Una magnífica oportunidad para comparar el papel de la creatividad en la publicidad para promocionar museos y otros equipamientos culturales:

Espot para promocionar la exposición The Oasis of Matisse del Stedelijk Museum Amsterdam.

Anunciante: Stedelijk Museum Amsterdam.

Agencia: Tom Geraedts (dirección y concepto), Mals Media (producción).

_______________

Espot para promocionar la exposición Velázquez del Grand Palais de París.

Anunciante: Réunion des musées nationaux-Grand Palais.

Agencia: Don’t Disturb (idea original), Départament audiovisuel et multimédia, Rmn-Grand Palais (producción).

Que cada uno saque sus propias conclusiones. Las mías son ya conocidas.

Monstruos de la publicidad

Miércoles, julio 8th, 2015

Refresco la memoria sobre las intenciones de esta etiqueta de Monstruos de la publicidad.

Acción de marketing promocional para promocionar la exposición Los años 50. La moda en Francia 1947-1957 del Museo de Bellas Artes de Bilbao.

Miradas_desde_la_copa

Miradas_desde_la_copa

Miradas_desde_la_copa

Anunciante: Museo de Bellas Artes de Bilbao.

Agencia: Herederos de Rowan.

A Few Good Sponsors. A Few Bad Sponsors

Lunes, mayo 4th, 2015

Contar con patrocinador es una buena noticia para cualquier museo o equipamiento cultural, pero ¿a cualquier precio?

Miradas_desde_la_copa

[Foto: Amy Scaife, Corbis]

Para que un patrocinador sea un buen compañero de viaje, lo primero que debería es conocer en profundidad la singularidad del mundo cultural y respetar la misión de la organización o equipamiento patrocinado.

Algunos patrocinadores buenos

Cumpliendo con esas premisas, buenos patrocinadores serían, por ejemplo, Versace y Prada. Ambas empresas patrocinan la restauración de la Galleria Vittorio Emanuele II de Milán, una de las joyas patrimoniales de la ciudad lombarda, con una aportación de 1,5 millones de € cada una.

Miradas_desde_la_copa

Miradas_desde_la_copa

[Fotos: inGalleria]

No cometiendo los errores de otras empresas, que al patrocinar la restauración de un monumento lo transforman en una vulgar valla publicitaria, han optado por la sutileza y la inteligencia comunicativa.

Se ha creado el potentísimo proyecto InGalleria (aquí vídeo), cuyo principal objetivo es ofrecer buenos contenidos sobre el monumento y su restauración, utilizando la potencia comunicativa de internet y las redes sociales (con presencia en Twitter, Facebook, Instagram y YouTube).

Tanto in situ como online, la presencia de los patrocinadores es de baja intensidad. Una sutileza que, acompañada de un inteligente trabajo comunicativo, les reporta y reportará una imagen positiva y un aumento de su reputación. Algo que no pasa cuando se actúa de manera invasiva, transformando los monumentos en restauración en un soporte publicitario cualquiera.

Algunos patrocinadores malos

Incluso cumpliendo con aquellas premisas comentadas al inicio, se puede no ser un buen patrocinador: hay empresas cuya hoja de servicios no es precisamente intachable.

Para un museo o equipamiento cultural, un mal patrocinador sería el que, por malas praxis en su desempeño empresarial (generadora de problemas medioambientales, explotación laboral, etc.), puede ocasionarle un problema de imagen y reputación.

Es el caso de las petroleras BP y Shell y los equipamientos culturales que patrocinan, como la Tate, el British Museum, el National Theater o la Royal Opera House. Para mucha gente es inaceptable que el mundo de la cultura acepte recursos de empresas poco respetuosas con el medioambiente.

Lo más interesante de este caso es que buena parte de esa gente se ha organizado por medio de grupos activistas como PlatformArt Not Oil Coalition (una coalición de organizaciones) y Liberate Tate, cuyo objetivo es conseguir la cancelación de la colaboración entre equipamientos culturales y las empresas petroleras.

Y más interesante aún es la manera de plantear la presión para conseguirlo. Obviamente utilizan todos los nuevos medios que ofrece el ecosistema digital (web y perfiles en redes sociales como Twitter o Facebook), pero lo más llamativo son sus guerrilla theatre performance.

La última que realizó el colectivo Liberate Tate fue “The Reveal” (el 31 de enero de 2015, aquí vídeo).

Miradas_desde_la_copa

[Foto: Martin Lesanto Smith]

Durante la performance, siete activistas vestidos de negro lanzaron billetes del Bank of Tate en la Tate Britain.

Miradas_desde_la_copa

[Foto: Liberate Tate]

En el verso del billete, el rostro de Nicholas Serota, director de la Tate y el logotipo de BP coronando como un sol la chimenea de la Tate Modern; en el reverso, el rostro de John Browne (ex-CEO de BP y actual presidente de la junta directiva de la Tate…) sobre el logotipo de la empresa y una de sus grandes “creaciones” medioambientales: el vertido de petróleo que inundó el Golfo de México en abril de 2010 (recomiendo leer el artículo de Bárbara Celis “Fundido a negro”).

Por su parte, la Art Not Oil Coalition ha hecho su última aparición en el British Museum con la performance “Sherloch Holmes: The Adventure of the Oily Museum” (el 29 de marzo de 2015, aquí vídeo) del grupo de teatro “BP or not BP?”.

Miradas_desde_la_copa

[Foto: Art Not Oil Coalition]

Una herramienta de lucha más es “Artwash. Bil Oil and the Arts”, el libro que acaba de publicar Mel Evans, activista de Liberate Tate (aquí book trailer del libro).

Miradas_dese_la_copa

Está claro que el patrocinio de empresas como BP o Shell no está alimentando positivamente la imagen y reputación de los museos y equipamientos culturales que patrocinan.

Patrocinadores y patrocinio, claro que sí. Pero sabiendo muy bien quién hay realmente detrás y, si supera la prueba del algodón, que éste sepa que patrocinar un museo o equipamiento patrimonial no es transformarlo en el mono de Valentino Rossi o Richard Hamilton.

Que todo esto sea posible, hoy día, es otro cantar.

Bonus track

Art Not Oil, Liberate Tate & Platform: Not if but when: Culture Beyond Oil”, 2011.

Platform: “Take the Money and Run? Some positions on ethics, businees sponsorship and making art”, 2013.

Platform & Art Not Oil: “Picture This. A portrait of 25 years of BP sponsorship”, 2014.

Museo del Holocausto de Buenos Aires & FWK Argentina: otro mítico tándem museo-agencia

Lunes, marzo 16th, 2015

No son muchos los museos que poseen un estilo publicitario claro y lo mantienen a lo largo de los años. Y muchos menos los que recorren ese camino de la mano de la misma agencia: son clásicos por aquí el Museo de Bellas Artes de Bilbao & Herededos de Rowan y el Science World de Vancouver & Rethink.

Miradas_desde_la_copa

A esta selecta y (lamentablemente) corta lista se le puede sumar el Museo del Holocausto de Buenos Aires (Argentina)FWK Argentina. Ya presenté algunas piezas de este tándem en un Monstruos de la publicidad de 2013, y ahora lo haré de la última campaña que han realizado conjuntamente, con la que celebraban el 21 aniversario del museo (no hicieron nada para el 20 aniversario y lo reconocen con sentido del humor).*

El museo y la agencia argentinos convocaron a un pequeño grupo de supervivientes de la Shoá para protagonizar una campaña de concienciación antisemita y antidiscriminación.

El grupo, la mayoría personas de más de ochenta años de edad, fue convocado el 3 de junio de 2014 a dibujar y pintar su propia experiencia del genocidio nazi, una de las mayores tragedias que vivió la humanidad durante el siglo pasado. Se les brindó las herramientas (pinturas, pinceles, lápices, etc.) para que ellos pudieran expresar su arte sobre un lienzo, en el que volcaron sus sentimientos más íntimos sobre su terrible experiencia.

Al finalizar los trabajos, cada sobreviviente (junto a su obra) participó en una sesión de fotos, brindando su testimonio sobre lo vivido en un clima que ha sido descrito como cálido y emocionante. Así lo relata uno de los profesionales que participaron en la grabación del espot “Moisés”, Fernando Roca, director de la productora audiovisual Huinca Cine:

Hubo una energía muy especial durante el rodaje, trabajar con Moisés quien sobrevivió a “seis” campos de concentración fue una experiencia en todo sentido. Charlar con él y poder escuchar de primera mano lo que sucedió durante la Shoah justo antes del rodaje y filmar en el Museo rodeados de las valijas, los pijamas y las fotos de toda la gente que vivió la barbarie, hizo que naturalmente, todo el equipo trabaje con un cuidado y respeto distinto.

El primer resultado fue la exhibición de esas obras en una muestra denominada “Un Museo. Nada de Arte”. Las obras de los protagonistas fueron luego expuestas de forma itinerante por el país invitando a toda la población a conocer más sobre estas personas en el Museo del Holocausto Buenos Aires.

La campaña publicitaria

Luego, con sus retratos fotográficos y sus testimonios, se desarrolló la campaña publicitaria. Anuncios gráficos en prensa y exterior, un comercial para televisión (titulado “Moisés”) y una caja de postales para conmemorar los 21 años del Museo del Holocausto.

Miradas_desde_la_copa

Todo ello bajo el concepto “millones de personas no hicieron nada para estar en un museo”. Los sobrevivientes del Holocausto no son artistas y, al igual que los otros millones de personas que lo sufrieron, no hicieron absolutamente nada para estar en un museo. Por desgracia, están.

Miradas_desde_la_copa

[Imágenes: FWK Argentina]

Mención especial merece el espot para TV. Os recomiendo que lo veáis más de una vez, hay fotogramas de una belleza sobrecogedora.

La nueva marca visual del museo

Coincidiendo con la campaña, el Museo del Holocausto decidió renovar conceptual y gráficamente su marca visual. El nuevo diseño, realizado por el estudio Munda Diseño y Comunicación, tenía como principal objetivo transmitir el Holocausto de una manera respetuosa, simple y efectiva.

Como me comenta Jonatan G. Nakache, responsable de comunicación del museo, se buscaba “transmitir el Holocausto de una manera respetuosa, simple y efectiva para poder comunicar y educar sobre la gravedad de lo acontecido. En este sentido creímos conveniente no usar símbolos ilustrativos como llamas, manos, estrellas y otros figuras del estilo, con la idea de que el icono genera una conexión emotiva, pero sin entender que este enfoque puede ser limitado en su alcance y en última instancia, puede disminuir la gravedad de la misión del Museo”.

Este era el imagotipo hasta agosto de 2014:

Miradas_desde_la_copa

Persiguiendo aquel objetivo, se eliminó del imagotipo el uso de la presentación gráfica de la Estrella de David, un recurso visual que se entendía podía desdibujar el mensaje real. Símbolo que fue substituido por un simple cuadrado, quedando así:

Miradas_desde_la_copa

[Imágenes: Museo del Holocausto]

Como se puede comprobar, la paleta cromática de la nueva marca se limita al blanco y el negro. Se pretende con ello dar respuesta a la meta de la institución: descubrir y promover la verdad.

* Agradezco a Rodrigo Burgos que lanzase el anzuelo que me puso sobre la pista de esta magnífica campaña.

Unos gramos de creatividad publicitaria para el Museo Nacional de Escultura

Martes, diciembre 30th, 2014

Canela en rama. Cosa muy fina y exquisita según el Diccionario de la lengua española de la RAE.

Pues bien, la creatividad publicitaria es la canela en rama de la publicidad. Y como la mayor parte de las cosas buenas, es un bien muy escaso. En el ámbito de los museos y del patrimonio cultural es tanta la escasez, que la producción anual se nos sirve en gramos.

Y parece que buena parte de la producción de “canela en rama publicitaria” se cultiva en la Antigua Redería, sede de Herederos de Rowan. Más allá de su trabajo para el Museo de Bellas Artes de Bilbao (precisamente este año han llegado a la década de colaboración conjunta), la agencia vasca ha ido ampliando su zona de acción en los dos últimos años. Si en 2013 hicieron un magnífico planteamiento con Anatomía de Sert para el San Telmo Museoa de San Sebastián (Anatomía de Sert. Radiografía de un gran proyecto y una magnífica campaña), este año ha acabado de la mejor manera posible con su campaña Ven a darnos vida para el Museo Nacional de Escultura de Valladolid.

Se trata de una campaña dirigida a los habitantes de la propia ciudad, cuya pieza central es un gran bloque de piedra (simulado) de 3×3 metros, situado en una zona comercial muy transitada de Valladolid.

Miradas_desde_la_copa

Jugando creativamente con la idea de Miguel Ángel sobre la escultura (la estatua duerme en el bloque de piedra a la espera que la mano del escultor le permita ver la luz), el copy convierte el bloque en una pieza publicitaria extraordinaria:

Miradas_desde_la_copa

[Fotos: Museo Nacional de Escultura]

Un texto publicitario que reconoce el papel esencial del visitante, sincero al manifestar que sin él un museo (el de Valladolid y todos en su conjunto) no es más que un almacén y las piezas expuestas objetos sin vida.

Esta y otras campañas van aportando gramos de creatividad a la publicidad de los museos. Por desgracia todavía son pocos, ya que la publicidad que nos torpedea con mera información se nos presenta a quilos. Una publicidad borderline, limitada a la utilización de imágenes de obras o espacios como clave visual y a recursos tan gastados en redacción publicitaria como el “te esperamos”, “ven y descubre” o el “si quieres viajar en el tiempo” como clave textual.

Por su escasez, estoy firmemente convencido que vale la pena dejar de hacer el canelo y paladear intensamente cada gramo de la “canela en rama publicitaria” que nos regala cada año Herederos de Rowan y los museos que se van acercando a la Antigua Redería para incluirla en su receta comunicativa. Por ahora son tres, ¿alguno más se atreve?

Museo de Bellas Artes de Bilbao: el irreductible poblado galo de la publicidad creativa

Martes, julio 22nd, 2014

Como la aldea de Astérix y Obélix, rodeado de sus particulares campamentos romanos de Petibónvm y Babaórvm, por aquí también tenemos un museo que hace años aplica la creatividad en sus acciones publicitarias: el Museo de Bellas Artes de Bilbao.

El museo cuenta para ello con su particular Panorámix: la agencia Herederos de Rowan.

La última poción que nos han preparado está relacionada con la exposición temporal “Arte japonés y japonismo”. Lo más interesante de la campaña de publicidad son las acciones de marketing de calle y marketing promocional.

La campaña comenzó con un sorprendente elemento de marketing de calle: dos torii, situados en la Gran Vía bilbaína (junto a la sede principal de BBK Fundazioa, patrocinador de la muestra) y frente a la entrada antigua del propio museo.

Miradas_desde_la_copa

Miradas_desde_la_copa

[Fotos: Herederos de Rowan]

Es decir, un símbolo de la cultura tradicional japonesa utilizado como inteligente soporte publicitario no convencional. Que también sirve de clave visual creativa para otros soportes convencionales de publicidad, como las clásicas banderolas.

Miradas desde la copa

[Foto: Museo de Bellas Artes de Bilbao]

En cuanto a la acción de marketing promocional, ¿qué te parecería encontrarte un pequeño teatrillo kamishibai en la habitación del hotel donde te alojas?

Pues eso es lo que se encuentran los clientes de hoteles de cuatro y cinco estrellas de Bilbao: una especie de folleto pop-up que, reproduciendo los tradicionales teatros nipones de papel, esconde una invitación a la muestra para dos personas.

¡Están locos estos bilbaínos!