La mirada mayo’16

1 de mayo, 2016

“És més fàcil obrir un museu que tenir-lo obert.”

Sònia Hernández

Directora del Museu Agbar de les Aigües

‘Síndrome Tamara’ Returns. El caso del Born

7 de abril, 2016

Manual de uso de este post: nadie debe vincular lo que aquí se dice a la lucha ideológica entre independentistas y no independentistas. En éste foro no interesa ese debate, sólo el que atañe a la gestión de un equipamiento patrimonial público. Gracias.

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[Foto: Miradas desde la copa]

Hace ya más de dos años, comentaba en el post El ‘síndrome Tamara’ se instala en los museos el cambio de nombre del actual Museu del Disseny de Barcelona, y decía lo siguiente:

Aquí el problema no solo es que en el cambio de denominación se haya perdido o no. Es que también afecta a aspectos que tienen que ver con la cultura de gestión de nuestros museos y patrimonio cultural (y de tantas otras cosas, como la cultura o la educación): los personalismos.

Un museo o proyecto cultural en marcha no debería cambiar en lo esencial cuando hay relevos entre sus gestores políticos o técnicos. Y por aquí es moneda corriente todo lo contrario: si hay cambio de color político en la administración de la que depende o cambia la dirección del propio equipamiento, es posible que se quiera cambiar todo, incluso el nombre.

(…)

Por último, y no menos importante: los recursos que suponen esos cambios.

Vuelta a las andadas: todo lo dicho entonces se puede aplicar ahora. El año pasado hubo cambio de color político en el Ayuntamiento de Barcelona y se reproduce exactamente lo mismo: el inaugurado en 2013 como Born CC (Born Centre Cultural) ahora se llama Born CCM (Born Centre de Cultura i Memòria).

Con poco más de dos años de vida, se decide reorientar el equipamiento patrimonial y se produce un cambio tan sustancial como el del nombre.

Me temo que la convivencia entre el viejo y el nuevo nombre se continuará “disfrutando” en las aplicaciones del logotipo, dándose curiosidades como éstas del portal web del centro y de su perfil y canal en Twitter y YouTube: sitios donde se ha actualizado y donde no se ha hecho todavía (en la mayoría de fotografías, en los vídeos, etc.). Mientras, in situ, es una verdadera fiesta.

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Ante casos como éste siempre me hago las mismas preguntas:

¿A cuánto ascenderá la cuenta de gastos que supone el cambio de nombre?

Si los que deciden estos cambios tuviesen que pagarlos de su bolsillo, ¿lo harían?

Las únicas certezas: el ‘síndrome Tamara’ ataca otra vez en Barcelona; el sueño de la ‘nueva’ política fue bonito mientras duró…

Una ‘app’ para sensibilizar al visitante. El uso de las TIC en la Difusión preventiva

4 de abril, 2016

En total sintonía con los contenidos de libro que acabo de publicar junto a Guillem Marca y Oreste Attardi, La difusión preventiva del patrimonio cultural, y del número especial que antes le dedicamos al tema en el tercer número de la e-Revista de Miradas desde la copa (2011), la Opera de Santa Maria del Fiore di Firenze (Italia) acaba de poner en marcha un proyecto que la practica sirviéndose de las TIC: Autography.

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[Foto: Opera de Santa Maria del Fiore]

Como explican en el post ​Dal vandalismo alla testimonianza: Autography, è tutta una questione di segni…, se trata de una aplicación móvil, Autography, que intenta que los grafitis se trasladen al mundo digital. Así definen la app:

Autography è una App che trasforma il vandalismo contro i monumenti nel “mondo reale” in testimonianza e ricordo nel “mondo digitale”.

En edificios con una presión de visitantes tan importante como el conjunto catedralicio de Florencia, este tipo de acciones vandálicas son de lo más común. Y los mensajes de prohibición no son útiles, como se demuestra en esta imagen del interior de la cúpula de Brunelleschi.

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[Foto: Miradas desde la copa]

Ante la evidencia que existe un problema de vandalismo, los gestores han decidido optar por otra política comunicativa en el campanile de Giotto: una capaz de sensibilizar al visitante. Este es el objetivo de la aplicación:

Trasferire sul piano virtuale quell’impulso che fino ad oggi ha imbrattato ed offeso un patrimonio da godere intatto così come è stato concepito.

Si sensibilizza il visitatore su quanto sia stupido ed inutile danneggiare monumenti ed opere d’arte con scritte e incisioni; ma gli si offre la possibilità di sfogare il suo impulso e di immortalarlo nell’eternità del digitale, rendendolo parte di una nuova storia, condivisa e tutta da raccontare: con uno strumento a scelta (penna, pennarello, spray, matita, rossetto) e selezionando una superficie e un colore.

Los visitantes pueden hacer sus grafitis seleccionando previamente la superficie (madera, mármol, hierro o yeso) y la herramienta para realizarlo (desde lápiz de labios a aerosol).

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[Foto: Opera de Santa Maria del Fiore]

Los grafitis digitales se guardarán en el Archivio storico dell’Opera del Duomo y se pueden compartir mediante las redes sociales.

Con sus más que evidentes diferencias, la propuesta florentina me recuerda a la píldora de Difusión preventiva que diseñamos (de forma ficticia) para solucionar el problema en el conjunto monumental de la Alhambra y el Generalife:

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[Foto: Miradas desde la copa]

Las nuevas tecnologías al servicio de la Difusión preventiva. Bienvenidas sean si permiten aquello que las medidas clásicas de prohibición no han conseguido: visitantes sensibilizados de la fragilidad del patrimonio cultural.

La mirada abril’16

1 de abril, 2016

“Si se lo permites, un museo puede convertirse en el recreo de tu imaginación.”

Tricia Tongco

Social Media Editor for Arts & Culture, The Huffington Post

Mapa de actitudes ante la relación Patrimonio & TIC

17 de marzo, 2016

Hace unas semanas, la directiva de la Asociación para la Interpretación del Patrimonio me invitó a participar como ponente en sus XV Jornadas, organizadas del 10 al 13 de marzo en el Museu d’Història de Catalunya (Barcelona). El tema de las jornadas era la Interpretación del patrimonio en la era digital y el encargo que me hicieron era claro: plantear críticamente la relación entre patrimonio (cultural y natural) y tecnología.

De entre todo lo comentado, creo que merece la pena compartir el mapa que dibujé para explicar las actitudes ante la tecnología de los profesionales de la gestión patrimonial.

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Los submarinistas: son los que profundizan críticamente en la incidencia que tiene la tecnología en el ámbito del patrimonio, entendiendo crítica como el análisis pormenorizado del tema para valorarlo según criterios propios de la materia de que se trata.

Los nadadores: sufren de papanatismo, ya que admiran la tecnología de manera excesiva, simple o poco crítica. Como me comentó Marcelo Martín, en esta categoría puede plantearse una subcategoría: la del nadador que hace snorkel de tanto en tanto.

Los surfistas: son superficiales, frívolos, sin fundamento. Hablan del tema por puro esnobismo: ya sabemos que hoy en día todo lo que tenga que ver con tecnología “vende”. Utilizan de forma insistente palabras abracadabrantes como storytelling, engagement, y otros anglicismos.

Aviso para navegantes: los últimos no tienen cura. Y tú, ¿qué eres?

Mapa de actitudes ante la relación Patrimonio & TIC. Versión ampliada y mejorada

Gracias a la tecnología, mi aproximación se está mejorando día a día gracias a la colaboración de otros colegas que han querido compartir públicamente sus ideas. Un buen ejemplo del diálogo y la cocreación que permiten plataformas digitales como el blog.

Al planteamiento inicial se unen tres categorías más, creadas por Juan Carlos Utiel (Uti) y José Luis Hoyas.

Los hidrofóbicos: podrían ser los que ante cualquier atisbo de “nueva” (para ellos) tecnología, salen corriendo tierra adentro y no llegan ni siquiera a plantearse su utilización, o lo que es lo mismo: no se mojan. Siempre estarán al borde de ser una especie en peligro de extinción, ya que las tecnologías avanzarán mucho más rápido que ellos en su puesta al día (por narices) con ella (”¿para qué quiero Internet?”, “el móvil sólo lo uso para llamar”… etc.).

Los ahogados: podrían estar dentro de las tres clases de actitudes, como factor de riesgo, cuando se desequilibre excesivamente la relación Patrimonio/Tecnología. Esto podría suceder al aumentar el denominador por excesiva profundización y mala descompresión o por nadar demasiado lejos de la orilla, también por apnea excesiva (snorkel), o por romperse la tabla, directamente.

Los chiringuiteros: están en el chiringuito, porque no son muy de playa; además para llegar al agua hay que cruzar la arena. Querrían ser submarinistas (que es lo que más mola y lo que les pide el cuerpo), pero la pereza, el miedo escénico o la comodidad les lleva como mucho a nadar un ratito o a subirse a la colchoneta hinchable. Algunos de ellos nadan mal, les da miedo el agua o se ven mayores para surfear. Como se fijan mucho controlan toda la playa, saben quién va y quién viene y dónde se hace el mejor espeto.

Lo dicho en los comentarios, el crecimiento del post inicial hace que plantearse éstas y otras ideas merezca la pena.

Por regalarme unas perlas: gracias Uti; gracias José Luis.

Por comentar el post: gracias Marcelo, Marta, Manel, Carlos y Vàngelis.

La mirada marzo’16

14 de marzo, 2016

“La Realidad Aumentada es la viagra de la Interpretación del patrimonio.”

Marcelo Martín

Arquitecto y referente teórico de la difusión cultural del patrimonio

La difusión preventiva del patrimonio cultural

4 de marzo, 2016

Han dicho sobre el libro:

“Las píldoras espero que sean para chupar y no tragar urgente con agua porque me parecen perlas más que pastillas.”

Marcelo Martín Guglielmino

Aquí se puede consultar el índice y la introducción:

El sueño de exposiciones temporales abiertas 365 días al año es una realidad

25 de febrero, 2016

Desde 1990 me persigue un fantasma: la exposición temporal de Velázquez que le dedicó el Museo Nacional del Prado. La Venus del espejo, La vieja friendo huevos o El aguador de Sevilla juntos en un mismo espacio. Por desgracia para mí, no fui uno de los más de 600.000 visitantes que pudieron disfrutarla.

Desde entonces me persigue el fantasma del hic et nunc del que habla Walter Benjamin en La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica, el aquí y ahora de este tipo de actividad museística. Como su nombre indica, las exposiciones temporales han sido tradicionalmente actividades de vocación efímera: tienen fecha concreta y planificada de nacimiento y defunción.

Bueno, debería decir que me perseguía. Unos años después de aquella experiencia traumática con Velázquez, ya en 2009, cuando todo parecía indicar que me volvería a pasar lo mismo con la exposición de Francis Bacon, navegando por el pegamento digital de internet me topé con una maravilla: la versión online que había diseñado la Tate Britain, un regalo para los que no habíamos podido visitar la muestra en ninguna de sus tres sedes (el Met y Nueva York, la Tate Britain y Londres y el Museo Nacional del Prado y Madrid).

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Y es que con la irrupción de internet las cosas has cambiado: gracias al diseño y puesta a disposición de los internautas de las versiones virtuales en línea de esas exposiciones temporales, el adjetivo “temporal” ha pasado a ser una realidad relativa. Paradójicamente, estas exposiciones temporales virtuales subvierten el propio adjetivo que caracteriza esta actividad cultural, pues al estar siempre disponibles en la www eliminan definitivamente su carácter efímero: si la exposición física tiene un inicio y un final concretos, la exposición online está abierta las 24 horas del día de los 365 días del año.

En el artículo Museums and online exhibitions: a model for analysing and charting existing types, que he publicado con mi colega Arnau Gifreu en la revista Museum Management and Curatorship, proponemos un modelo de análisis y analizamos sus principales características, cartografiando las tipologías de exposiciones online existentes en los museos de arte.

En la actual fase de desarrollo del museo virtual, y como cabía esperar, la actividad estrella de este tipo de equipamientos culturales, la exposición temporal, también tendrá su reflejo virtual. Aunque lamentablemente todavía de forma un tanto tímida, alguno de los museos de arte de referencia internacional ya tienen un programa de exposiciones temporales virtuales disponible en su portal web institucional (el Museo Thyssen-Bornemisza), aunque la mayoría por ahora sólo plantean la versión virtual de alguna de ellas (como el MoMA, el Musée du Louvre o la Tate). Bien es cierto que son una selecta minoría, pues otros museos, como el Metropolitan Museum of Art, el Centre Pompidou, el British Museum o el Museo Nacional del Prado, ni tan siquiera disponen de alguna exposición online.

Después del análisis efectuado y los resultados obtenidos, presentamos como principal conclusión una propuesta de tres posibles modelos de exposiciones online que los museos pueden ofrecer al internauta:

Modelo espejo: ofrece un tipo de navegación automática, que guía al usuario en el modo de visita virtual. Lineal en esencia, restrictivo en relación a la navegación e interacción con las obras. Ejemplo: “Impresionismo Americano” del Museo Thyssen-Bornemisza.

Modelo hipermedia: ofrece un tipo de navegación con estilo mosaico y exploración libre. No lineal en esencia y ramificado. Ejemplo: “Van Gogh and the Colors of the Night” del MoMA.

Modelo narrativo: ofrece un tipo de navegación a medio camino entre la libertad y la restricción. Se acompaña en la navegación, se sugieren caminos pero existe cierta libertad para modificar comportamientos. Ejemplo: “Monet 2010” de la Réunion des musées nationaux – Grand Palais.

Parafraseando a Werner Schweibenz, “The online exhibition is no competitor or danger for the “brick and mortar” exhibition”. Al contrario.

Las exposiciones online son potentes amplificadores al servicio del poder divulgador del museo; que además tienen como valioso algo que comentaba en una entrevista Glenn D. Lowry, director del MoMA: se pueden hacer cosas que en el entorno real no son posibles.

Para conseguir que las exposiciones online sean esos potentes amplificadores de los museos, se deberían explorar y explotar las singularidades y posibilidades del medio digital, algo que la literatura científica viene reclamando desde hace casi dos décadas. Basta leer algunas citas de autores como Marc Tinkler & Michael Freedman: “All successful online exhibitions exploit the qualities of the digital medium, and use them as opportunities to explore areas that would otherwise be impossible in a physical museum environment”; Jonathan Bowen: “Do not try to re-create the ‘traditional’ museum experience. The Web is a different medium with its own strengths and weaknesses, which should be exploited to enhance the virtual visitor experience”; y Álvarez, Portús & Vives: “Debemos poder visitar exposiciones virtuales que no sean mera reproducción de su homóloga física. Internet es un nuevo medio de expresión que necesita nuevas formas de comunicación. ‘El medio es el mensaje’.”.

Por todo ello, creemos que la tipología de exposición online que más se adapta al usuario del siglo XXI es aquella que sabe combinar un recorrido más tradicional (por la sala recreada o con otra metáfora gráfica) con una propuesta más acompañada-narrativa donde se guíe de una forma más lineal al usuario, proponiendo retos, juegos y, en definitiva, convirtiéndola en algo más que en una simple réplica más o menos exacta de la exposición física.

Ahora solo falta que los gestores de los museos crean de forma sincera en la potencialidad del medio digital. ¿Quién sabe si algún día los museos solo diseñarán exposiciones para el medio digital? Mientras tanto, el fantasma del hic et nunc seguirá asolando a los amantes de los museos.

La mirada febrero’16

1 de febrero, 2016

“Entender una obra de arte requiere mucho tiempo. No podemos llegar a apreciarla pasando sólo 30 segundos delante, igual que no podemos entender un libro viendo sólo su portada.”

Will Gompertz

Director de Arte de la BBC y divulgador del arte

Miserachs y ‘Barcelona, blanco y negro’, la exposición

9 de enero, 2016

Miradas_desde_la_copa

Más allá del interés personal por un tema, movimiento artístico o artista, la “museografía de la vitrina, el clavo y la peana” que se estila en las exposiciones de los museos de arte me aburre y decepciona soberanamente. Por poner un ejemplo: visitar una exposición sobre el cartel o un cartelista y ver una sucesión de carteles enmarcados, sin más montaje que un breve texto inicial y las anoréxicas cartelas informativas, hace tiempo que dejó de parecerme una exposición.

En muchos casos, demasiados, tengo la sensación que todos los esfuerzos se centran en conseguir el préstamo del mayor número y de las mejores obras, pero luego se hace poco o nada para construir un medio de comunicación (eso es una exposición) gracias a un planteamiento museográfico que vaya más allá de una sucesión de obras sobre un bonito color de fondo.

Por eso, cuando leí alguna de las varias críticas negativas sobre el montaje a una exposición del Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA), tuve claro que debía volver a ese museo.

Hace años que no lo pisaba. Ni cuando el año pasado fue noticia por la censura a una obra de arte. La última vez que lo hice fue para visitar la exposición La anarquía del silencio. John Cage y el arte experimental (¡acabo de comprobar que eso fue en 2010!).

Ahora lo he vuelto a hacer y no me arrepiento. La exposición Miserachs Barcelona ha sido la “culpable”. Una exposición monográfica sobre un fotolibro de Xavier Miserachs: Barcelona, blanco y negro.

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Como confesaba antes, he vuelto al MACBA por los comentarios (mayoritariamente negativos) que leí sobre la propuesta museográfica planteada por el comisario, Horacio Fernández, y los diseñadores, el estudio de arquitectura Langarita-Navarro. De falta evidente de respeto (Pedro Madueño en Recortables que alteran una obra, La Vanguardia) a acto de traición a la persona y la obra del artista (Joan de Sagarra en Miserachs traicionado, La Vanguardia). Según Joan de Sagarra, entre la profesión corre la frase “Misterioso asesinato en el Macba”.

Está claro que los implicados no se han limitado a lo que se espera (por común) de una muestra de fotografía y a lo que se estila en el museo barcelonés. Como decía el propio comisario en una visita comentada, en un museo de arte contemporáneo debería primar la innovación, también en el diseño de exposiciones temporales.

¿Cómo transformar un libro en exposición?

Ese proceso de intermedialidad era el reto al que se enfrentaron comisario y arquitectos.

Merece la pena conocer la opinión del comisario sobre la fotografía y su manera de entenderla:

Les fotografies estan vives. En els àmbits més conservadors del món de l’art se sol dir que estan mortes i que s’haurien de guardar emmarcades i cobertes amb un vidre. Però la història de la fotografia és molt més rica del que acostumen a explicar-nos els museus i el col·leccionisme i en aquest projecte també volíem mostrar la diversitat i la riquesa dels suports. Les imatges no tenen tema, no tenen una lectura privilegiada. El llibre és un relat visual força obert i, com va dir el fotògraf, la interpretació està en mans de l’espectador.

La muestra empieza en el vestíbulo, con un mural fotográfico compuesto por imágenes de las afueras de la ciudad.

Miradas desde la copa

Después, se entra en un primer espacio con un montaje a modo de mecano que recrea las exposiciones de los años en los que Xavier Miserachs preparaba su fotolibro. Un modelo que bebe de la Bauhaus y, muy especialmente, de las estructuras portátiles de la mítica exposición itinerante The Family of Man (MoMA, Edward Steichen, 1955; ahora en el Castillo de Clervaux, Luxemburgo).

Miradas desde la copa

Más adelante es posible pasear literalmente por las páginas del fotolibro de Xavier Miserachs y las calles y plazas de la Barcelona de los años 60, gracias a grandes ampliaciones tridimensionales, que transforman el espacio en una escenografía teatral que consigue que el visitante pase de la clásica pasividad a protagonista de la instalación.

Miradas desde la copa

Después de pasear por esa calle, se entra en un tercer espacio, una especie de plaza. Los protagonistas de las fotografías de Miserachs se han independizado de sus fondos, proyectándose de forma que envuelven al visitante. En este espacio se intenta conseguir el impacto emocional de la fotografía. Sin duda ha sido el espacio más criticado. Ante esas críticas, el comisario antepone la libertad creativa.

Miradas desde la copa

Por último, un último espacio, el usual en el montaje expositivo, con la proyección monumental del propio libro, página a página. Y el fotolibro como objeto, expuesto y protegido en una vitrina. Un planteamiento ciertamente sorprendente: no hay nada más lejos de la innovación expositiva que encapsular el libro en una vitrina como si fuese el Beato de Girona.

Miradas desde la copa

Miradas desde la copa

Sensaciones después de

Al finalizar el recorrido, queda claro que es una exposición donde la protagonista es la fotografía. Ahora bien, proponiendo nuevas maneras de mirar y leer fotos en el espacio artístico, huyendo del formato expositivo convencional: no hay ni una sola fotografía enmarcada, ni un solo texto de sala, ni una sola cartela.

Comparto con la periodista cultural Teresa Sesé (Deambulando con Miserachs, La Vanguardia), una cierta sensación de coitus interruptus. Tuve la sensación como de haber visitado el germen de una exposición del vecino Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (que por cierto, sí tiene como marca de la casa este tipo de planteamientos museográficos). Puede que Mercè Ibarz dé en el clavo cuando dice que la “primera impresión que produce es de brevedad, lo que tras décadas de exposiciones megalomaníacas, es un comentario indirecto muy de agradecer. No es breve, es intensa” (Barcelona Miserachs, El País).

Quizá, después de esa intensidad que comenta Ibarz, hubiese convenido un espacio más, de corte documental y reflexivo, con la exposición de materiales que mostrasen y explicasen el proceso de elaboración del fotolibro (es evidente que lo que se dice sobre este espacio en el texto introductorio de la exposición no se ajusta a la realidad: “En el epílogo se encuentra toda la información sobre Barcelona, blanco y negro“). Puede que así se hubiese redondeado la propuesta, aportándole algo de lo que ahora adolece.

Aunque bien es verdad que, para documentarse, para saber sobre Miserachs, el fotolibro y el propio trabajo del museo, está disponible otra exposición en un espacio contiguo: A.XMI. Una selección de materiales fotográficos y documentales del Fondo Xavier Miserachs, así como un recorrido por los distintos procesos de trabajo que el Archivo del Centro de Estudios y Documentación MACBA (CED) ha llevado a cabo entre 2009 y 2014 para incorporar, catalogar y difundir el fondo fotográfico.

Miradas desde la copa

[Fotos: Miradas desde la copa]

Ver, entre otras cosas, la hoja de contacto con su famosa fotografía del carretillero en el mercado del Born marcada con una etiqueta amarilla, explica muchas cosas sobre la fotografía de Miserachs y el proceso de cocinado del fotolibro: sólo hizo una toma, que fue la seleccionada.

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[Foto: Fondo Xavier Miserachs, Archivo del Centro de Estudios y Documentación MACBA]

Más allá si Miserachs Barcelona convence mucho o poco, habría que valorar muy especialmente la novedad de la propuesta. Si nadie se anima a innovar en los museos de arte, está claro que no se avanzará nada en el diseño expositivo. Parece mentira que en pleno siglo XXI la mayoría de crónicas sobre la exposición la hayan catalogado de arriesgado montaje. Lo que vendría a demostrar en qué nivel se encuentra la innovación museográfica de nuestros museos de arte.

Con esta exposición parece que el MACBA ha salido tímidamente del pestilente enclaustramiento y endogamia que ha alejado al público de los museos de arte contemporáneo, como pedía en una reciente entrevista Javier González de Durana, museólogo, historiador del arte y gestor artístico. Como comentaba Josep Maria Cortina (Miserachs Barcelona al MACBA, Núvol. El digital de cultura), una exposición capaz de despertar el interés de un público más amplio que el que acostumbra a visitar el museo y este tipo de muestras.

Espero que el museo siga por esa senda abierta con Miserachs Barcelona. Si es un espejismo, pasarán muchos años hasta que vuelva a visitarlo.

Una propuesta

Siguiendo la estela de The Family of Man, que viajó desde el MoMA a más de 160 museos de todo el mundo, no sería mala idea que la exposición se convirtiese en itinerante, difundiendo aún más la obra de Xavier Miserachs. El formato expositivo lo permite.


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